好久不见?

2019年Q1的Brief：

1，是至今为止读书和观影的积累量最大的一期。

2，日日夜夜，每一周每个月挑战极限，并且做到了。

满意。但同时放慢了这里的更新速度。

2019年第一篇，献给日本艺术市场的观察报告。

本期BGM ?

封面图 ?

《爱，死亡和机器人 Love, Death & Robots

Zima Blue》

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?日本艺术消费市场时态观察?

1.    “7兆日币中的3%”

在全世界艺术市场总量的7兆日币之中，日本仅占3%。在这种市场环境下，日本对新锐艺术家的付费倾向有着独到的趋势。今天我们来看看这些不通过拍卖会，并非有一定知名度的艺术家/艺术品，在日本是怎样生长起来的？

（扫描来源于日本的日经MJ报纸2019年1月7日）

（据德勤统计，日本现代艺术价格指标，远超于日经平均股价、以及日本黄金地段银座房价的指标）

- 目 录 - 

非艺术专业背景消费者 

非世界级艺术大师的艺术作品

艺术家的人设经营论

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2.   实体画廊的可能性 

“普通消费者也可以随时推开实体画廊的店门”

提到“购买艺术品”，首先想到的是：通过与画廊艺术经纪人对话，进行艺术品的挑选和购买。这一连的行为过程对非艺术专业出身、从没买过艺术品的消费者来说会产生心理压力。对于大部分的普通消费者来说，若没有“圈内”人脉，艺术品似乎只能停留于观赏的层面。

然而东京日比谷Midtown的YellowKorner，做到了“让消费者可以随时进门探店”。YellowKorner在全世界27个国家有100多家实体店铺的写真画廊，签约了全世界200位摄影艺术家，源源不断地为画廊提供高质量的艺术作品。YellowKornerJapan的董事在采访中透露：这家店的销售额是公司计划的2.5倍，日本市场对艺术品的需求远远大于预期。

 （Gif来源于YellowKorner官网的屏幕捕捉）

该艺术品公司的实体店铺设计理念是“让购买艺术品像购买CD和书籍一样快捷轻便”，比如：

①  艺术品的陈设方式

传统画廊将艺术品摆放在与观赏者间设有一定的观赏距离，产生隔阂感

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然而YellowKorner将艺术品摆放在用户可以随手拿起放下的位置。

（图片来源于Instagram）

②  价格的透明

传统画廊不会公开艺术品的价格

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然而YellowKorner会根据作品大小定价公开。

（图片来源于YellowKorner官网，写真大小价格规定）

③  产品的分类

传统画廊是根据艺术家分类

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然而YellowKorner像书店一样，根据“建筑”“景色”“音乐”etc进行分类。所以在用户不了解写真艺术的情况下，也能愉快地根据自己的心情“感性消费”。

 （Gif来源于YellowKorner官网的屏幕捕捉，产品分类展示）

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3.   “外行买家的艺术品收藏术”

在上述日经MJ新闻里，采访了3个艺术品购买者的心理行为，让我对艺术品付费有了新的认识：

①“世界上仅此一个的家装” / 多重定位

第一位采访者是名律师，在办公室里摆放了10多件中村一征的艺术品。他说购买这些艺术品，是因为在他心里艺术品归类为家装。

“アートはインテリアの一つ”

②“独一无二的重要性” / 稀有性

第二名采访者是公司职员，他购买了杉崎良子的纸雕塑。他付费的心理动因是基于购买的艺术品是世界上仅有一个的。

③“因为在推特上看到了它”  / 粉丝经济

最后一名采访者也是一名公司职员，他偶然在推特上看到了辰巳菜穂的插画作品，随后主动私信艺术家，直接通过艺术家本人购买了艺术品。

这三位采访者并非艺术专业出身，购买的也并不是出自世界级艺术大师的艺术奢侈品。由此可见，可以支撑起新锐艺术家的艺术市场的，是这群非艺术专业出身的艺术品爱好者。

根据日本文化厅的报告，2017年的艺术品市场为2437亿日币，呈微增趋势；而海报等艺术复刻品市场下降24%。说明人们更愿意为独一无二的艺术品买单。

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4.   “每月100日币的艺术互联网平台”

结合上述用户的特征，日本的一些初创公司推出了足够“轻”的艺术平台，成为当今日本艺术品消费的新力量。这些平台将焦点放在艺术家影响力上，所以消费者对艺术品的付费是基于艺术家的人格之上的，也就是所谓的粉丝经济。

mecelo成立于18年10月，每月100日币的支持费。创始人强调，这并非打赏式行为，而是通过支持费，定期获得艺术家的插画贺卡或日历，并且能有艺术家深度交流的机会，形成一种社群。而用户表示，他们为艺术家付费不排除人设character的动因。

同样是18年秋天开始加大推广的suzuri people by gmo和Pixiv fanbox，均是类似的业务模型。

（suzuri people by gmo官网）

↑可制作属于自己的T恤、手机壳、帆布包等个性周边。也可以购买人气插画师的周边

在日本，新锐艺术家被艺术经纪人发现后，会有一系列的包装、办展、参赛的孵化支援。但与此同时也需要人设的经营。且这个人设要符合该艺术经纪人的品味特征，不会偏离该经纪人/画廊的整体定位。

上述平台是将艺术经纪人的角色以互联网取代，打开艺术品生态的多样性，让艺术家可以真正的施展自己。

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5.     “网红艺术家”的变现节点

网红艺术家已不是新鲜词，一炮而红后却没有持续输出是网红艺术家的最大难题。

日本插画师keigo可以说是近期最成功的案例。他的作品在日本和中国大陆备受欢迎。虽然已经出版了画册，然而在他的Instagram上也能看到“免费”的插画作品。

网红艺术家与网红最大的区别在于变现渠道的单一性。毕竟名头是艺术家，所以如果接了广告有了收入，那么这位艺术家的定位会偏离艺术家的设定。既然变现渠道只能限定于艺术品以及其衍生品，但若已在SNS上公布了大量的免费画作，那网红艺术家们该如何持续高质量的内容输出，从而变现？

keigo已经出版了2本画册，还做了line表情包，但在ins上仍然慷慨且高产的更新状态，难道他不怕灵感枯竭吗？不应该把更多作品放进付费的画册里，而非免费SNS上吗？

这个问题我通过一些纪录片和书籍找到了答案。

最近印象较深的是《加缪手记》第二卷和《整个巴黎属于我》。加缪手记第二卷里含有大量的写作练习，大到对一个故事构架的描述，小到对一种细微情绪的捕捉,这些在第二卷里收藏数量众多。他一直在练习，不断地练习。

《整个巴黎属于我》，描写了以海明威为中心的巴黎作家圈，为自己的文学创作付出的大量铺垫式写作练习。他们不断地被返回书稿，不断地被编辑和出版社拒绝，不断地写着故事。

布考斯基的纪录片《我生来如此》，前半部分一直在讲他的艺术积累以及失败。但他从没放弃，坚持着写作，并留下了这感人的句子⤵️

总结下来，艺术创作灵感来源于不断地练习，积累，大量的in-put所引导出的out-put。

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所以，真正的艺术家不会畏惧灵感枯竭、也从不会灵感枯竭。

只要有信念。

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周末愉快?